Il ritorno all’infanzia di Oumar Ball

Self-made, la qualità del lavoro del giovane pittore e scultore, si distingue in Mauritania che si abbandona poco i loro artisti.

 

oumar ball

 

“Siamo stati nel verde store”, dice una voce all’altro capo del telefono. Le strade di sabbia della periferia di Nouakchott non hanno un nome. Kufa è un sobborgo di alluvione che sono state arrivati degli interni di tutte le etnie e colori, maures, soninkés, wolofs. Le case sono diverse, irregolare, e si intrecciano, come nella vita stessa, deslavazadas, tra solare senza tamponamento, discariche di rifiuti, e l’eterno bambini che giocano con i pezzi che un giorno erano in moto. Lì, al primo piano da dove lo scorcio di questo scalpore, c’è un regno a parte, un mondo che si è fermato, avvoltoi, pesci, cani, le donne in infradito e bambini a bere acqua che sembrano prendere vita. Sono i domini di Oumar Ball, l’artista.

Non è sempre stato lì. In realtà, il soggiorno è un pezzo concepì la sua infanzia è importate dal sud, lo splendore del fiume Senegal, per questo piccolo angolo caldo e arido in Nouakchott. Oumar Ball, che ora ha 32 anni, è nato e ensoleró in una città chiamata Bababé, circondato da mucche e capre e agnelli, con case di fango e paglia, che è alongaban sulla riva di un fiume fertile di grano e riso. Cresciuto dalla nonna, il maggiore di otto fratelli, ha iniziato a creare. “Su tutta la scultura”, racconta, “ho usato quello che avevo a portata di mano, di ferro, di plastica, e ci è venuto fuori in case piccole, giocattoli, bug. Il dipinto venne più tardi.”

 

Immagini più popolari di Oumar Ball

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Ma, come tutti, l’infanzia felice di Oumar rotto un giorno. Suo padre, il fotografo e pittore Issa Palla, ha portato a Nouakchott per la casa di famiglia all’età di 13 anni, quando la nonna morì. “Per me il cambiamento è stato molto difficile, proprio quando ho lasciato la casa, ero in stato di shock. Anche lui aveva l’asma problemi, ho soffocato molte volte e sono andato avanti e indietro per il medico per tutto il tempo, così ho dovuto lasciare la scuola”, spiega. La scultura, l’adolescente, guidata da suo padre, ha fatto il salto di pittura. “È stato a suo tempo quando venne l’esplosione, che non poteva lasciare il lavoro. Era come un’ossessione, ho dipinto e ho dipinto il giorno e la notte.”
Il registro delle modifiche anche avuto a che fare con il pregiudizio religioso. “Nella nostra società musulmana la scultura è sbagliato, perché vieta la rappresentazione della figura umana. La gente ha iniziato a parlare, e i miei genitori mi hanno consigliato di lasciarlo”. Ma che era temporanea, nessuno aveva intenzione di interrompere la necessità di raccontare attraverso l’arte che pulsava dentro il giovane Ball. “Con il tempo ho capito che quello che la gente diceva che erano solo parole e che nella vita bisogna fare ciò che senti nel tuo cuore, non ciò che è nel cuore degli altri,” dice. Ora, il ripristino, la scultura, la Palla combina entrambe le discipline, con uguale passione. “Sono due lingue diverse, non poteva dire che quella che mi piace di più, il passaggio da uno all’altro a seconda del mio umore”.

 

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Le parole escono a fatica, abbiamo lasciato in sospeso in aria come un frutto maturo pronto a cadere. Ma lui ha tanto da raccontare. Forse è per questo che il giovane uomo è colto alla forza del bambino, debole e malato, trovato nelle tue mani è il modo migliore per ottenere ciò che è nella sua testa. All’ingresso della casa, sua madre, Maimouna Diallo, calza piccola, seduta tra le sue gambe. Sopra, lo studio di Palla è piena di filamenti di ferro con i fili e i colpi di scena e dà modo alle creature incredibilmente reale. “Una cosa che viene da un altro. Quando io lavoro e penso a mia madre, che è un parrucchiere”, dice.

Con soli 15 anni, presenta la sua prima mostra personale presso il Centro Culturale francese a Nouakchott. Da allora non ha smesso di crescere. La forza del suo lavoro, che ci interpella il nostro rapporto con la natura, e cattura con padronanza i piccoli dettagli della vita quotidiana, momenti di vita in circolazione e liscia non poteva passare inosservata. Residenze in Spagna e in Francia, i campioni di Parigi, la Biennale d’Arte di Dakar e anche un documentario sul suo processo creativo, Françoise Dexmier, parlare della dimensione dell’artista di oggi, della sua perenne evoluzione e l’enorme potenziale del creatore di domani.

Kusama, la regina, la nippon talpe

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Il prolifico e originale artista inaugura, all’età di 88 anni, il suo museo a Tokyo
Dalla fabbrica dove era mobilitato durante la Seconda Guerra Mondiale, all’età di 13 anni, a cucire paracadute, fino a quando il nuovo museo di Tokyo dedicato al suo lavoro, e inaugurato appena una settimana fa, l’artista Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) ha abitato, e, soprattutto, ha creato una lunga lista di particolare spazi.
Alla fine, i servizi custodie —che è stata battezzata come “infinito” stanze o camere infinito— sono una delle ossessioni e/o specialità della ottuagenario giapponese, così come le talpe che inondano il vostro universodesde più di mezzo secolo fa, e le zucche, un altro tema ricorrente nella sua prolifica attività. Questo artista porta in sei decenni di pittura e si accumulano decine di migliaia di opere. Ha anche avuto il tempo di scrivere 18 libri.

Colori originali nell’arte della Kusama

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Diligente e applicata, in linea con l’alto livello di dedizione al lavoro che presuppone che i loro connazionali, Kusama non. La tua, invece, sembra avere una pendenza patologico, perché ci vogliono 40 anni di vita volontariamente in una clinica psichiatrica, accanto al suo studio. Ora, nello stesso quartiere, già ha il suo museo: un edificio di cinque piani progettati dallo studio Kume Sekkei, a pois in ascensore e negli specchi dei bagni, che supporta solo un totale di 200 visitatori al giorno, che è a dire, a 50 persone, quattro volte al giorno, ogni uno di cui si può godere la corsa fino a un massimo di 90 minuti. I biglietti sono già sold out per i prossimi mesi.

L’esperienza che Kusama propone avete bisogno di un po di solitudine, e le restrizioni sul numero di visitatori che si sono già imposti in alcuni dei centri d’arte, dove è stato esposto il lavoro di questo artista che si trascina le masse. La Tate di Londra, il Louisiana museum di Copenaghen, al Largo di Los Angeles, il Whitney di New York, l’Hirshhorn a Washington o il Reina Sofia di Madrid, sono stati alcuni dei musei in cui sono venuti a terra negli ultimi anni, la colorata e psichedelica e allucinogeni creazioni con il qu Nel 2014 uno dei suoi pezzi è stato battuto all’asta per sette milioni di dollari da Christie’s. Quello stesso anno fu nominato artista preferito nel mondo in un sondaggio condotto tra i visitatori di musei, davanti anche il più alto interprete celebrità Marina Abramovic. Il pubblico, senza dubbio, ama Kusama. L’innegabile fotogenica la natura del suo ipnotico creazioni rendere tag perfetta per l’arte contemporanea, in questa epoca di social network Instagram. Secondo the Art Newspaper lei è la ragazza poster, o la ragazza dell’annuncio della globalizzazione dell’art. E ciò che è vero è che le sue creazioni sono incluse le collaborazioni con i designer di moda di Marc Jacobs.

L’aspetto estetico di Kusama

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Originale e accattivante, creativa, il cui parrucche colori vivaci venuto per essere quello che i baffi sono stati per Dali, ci vogliono decenni per creare spazi in cui la pressione visiva, ingrandita da specchi, è tale che ci permette di fantasticare con la fusione, con la scomparsa. Perdersi, sentimento che siete a caccia in un mondo multicolore e caleidoscopica è il grande problema della peculiarità della piccola giapponese che ha conquistato New York a lungo prima di Yoko Ono. Infatti, la vedova di Lennon, e lo scrittore di romanzi di Murakami sono tra la sua vasta legione di confessò ammiratori.

Nei suoi libri (romanzi, poesia e autobiografia) Kusama ha detto che sua madre li ha incoraggiati a fare come una guardia di sicurezza con suo padre adultero, e per vedere quelle scene generato un rapporto strano, che confinava con il rifiuto del sesso. Ha cominciato a dipingere, ha detto, di scomparire, di diventare invisibile e di tradurre le visioni alucinatorias ha avuto da quando era un bambino. “Vedo ancora le allucinazioni”, ha detto la scorsa settimana alla stampa durante la presentazione del suo museo. “La polka dots venire volare e cadere sul mio vestito, sul pavimento, attraverso la casa, attraverso il tetto. E io pinto”. Ha detto, che le sedute di psicoanalisi freudiana, che è stato presentato a New York sono stati l’unica cosa che paralizzato il suo nervo creativo. Le idee che esce dalla sua bocca, e non solo sulla tela, ma in aria.

Arte moderna: Chi capisce l’arte contemporanea?

arte moderna

Non c’è mai stata così numerosi musei, gallerie, riviste e critici d’arte. Tuttavia l’arte dei nostri giorni è generalmente considerato come qualcosa di incomprensibile. Arthur C. Danto, uno dei più importanti teorici dell’arte della seconda metà del XX secolo, ora pubblicato in Spagna uno dei suoi capolavori, la trasfigurazione del luogo comune (Paídos). Si mette una seria riflessione su come la filosofia dei nostri tempi, che ha fatto dell’estetica un po ‘ lontano e confuso, e ha fatto dell’arte un qualcosa di profondamente irrilevante per la società di oggi.

È vero che l’arte è sempre stata in anticipo di ciò che la gente pensava che dovrebbe essere l’arte. Cosi ‘quando la pittura post-impressionista è esposto in un modo che è apprezzabile, diciamo intorno al 1912, la gente aveva in mente l’idea che i quadri devono essere delle cose riconoscibile, dipinto in un modo riconoscibile, di modo che ha trovato il nuovo art scandaloso o comico’, dice Danto. “Tuttavia non credo che oggi avete un’idea di ciò che dovrebbe essere l’arte’, perche ‘le persone si sono abituati all’arte di cui è in mostra nei musei di arte contemporanea può avere qualsiasi aspetto’.
Uno dei tratti caratteristici delle arti visive contemporanee è il velo teorici che sono oggetti di vita quotidiana come la profonda intellettuale esercizi. Il banale sembra essersi trasformata in arte, come Arthur Danto (1924), professore emerito di filosofia alla Columbia University, New York, e il critico d’arte per il magazine settimanale Della Nazione. Con l’arrivo della pop art degli anni sessanta, questo pensatore la domanda è: perché un box di Andy Warhol è un opera d’arte, per il semplice fatto di essere in una galleria, mentre la stessa casella di un supermercato è un oggetto semplice, di utilità pratica?. Se i due sono quasi uguali, cosa è la differenza?.Questo dubbio lo porta a pubblicare il suo primo articolo sull’arte nel 1964.

Artisti contemporanei

artisti contemporanei
Molte delle manifestazioni di arte moderna in discussione il ruolo che aveva caratterizzato le arti visive in Occidente, che è a dire, non hanno come obiettivo quello di rappresentare la realtà, ma per fare arte. Per Danto, è la pop art, che ha cancellato i confini tra arte e realtà, che segna la fine di un certo modo di concepire l’arte. Ma se il compito dell’arte non è quello di rappresentare, in senso figurato, il fatto che, in quello che dipende da chi è il bene e il male opere d’arte?. Secondo l’autore della trasfigurazione del luogo comune, “l’arte dei nostri giorni è il pensiero visivo’. Così è a ‘cogliere il pensiero che l’artista coglie in un’opera d’arte, e quindi porsi delle domande su come si potrebbe fare meglio, o se è valsa la pena di farlo. Il problema è che ora non si sa mai quello che troverete nella galleria’.

Questo lavoro è stato pubblicato in inglese, originariamente apparso in inglese nei primi anni ottanta. Il filosofo attualmente lavorando a un libro sulla bellezza, anche se ha scritto tra l’altro libro di estetica, Dopo la fine dell’arte. Il pensiero di Danto ci ricorda che la valutazione di un cristiano come Rookmaaker, inoltre, rende l’arte pop nella vostra Arte moderna o la morte di una cultura (Ponteggio/Clie, Barcellona, 2002).

Mostra di arte moderna

mostra di arte moderna

La sua esaltazione dell’immagine rende l’arte più autentica di questo secolo, secondo il professore della Libera Università di Amsterdam. Perché portando la figura che l’arte, riappare l’elemento umano assente in molti altri flussi. Ma è così anche come possiamo vedere più chiaramente la crisi dell’uomo moderno. Come nell’opera del Liechtenstein o Wesselman vediamo la morte di una cultura.

Ma la verità è che un’immagine vale più di mille parole. Non rientrano, per che l’epistemologia di Warhol, con il quale la penso, dunque io sono di Cartesio, diventa sto in televisione, dunque sono. Ciò che è importante per il cristianesimo, non è l’uso di media, ma la loro modifica. Dobbiamo liberarci di quella ossessione, come gli evangelici, per andare in televisione. Perché non fare errore, la religione oggi è diventata un’altra manifestazione del mondo dello spettacolo. L’evangelista-mail presenta, perché il cristianesimo in termini di salute, ricchezza e felicità, che è quello che alla fine attira di verità alla gente. Ma Gesù è sia il mezzo e il messaggio. E Dio ha rivelato al mondo che vive la Parola, che è Gesù Cristo, l’Immagine stessa di Dio.